CUADRO COMPARATIVO: LA EDUCACION MUSICAL Y LOS PRINCIPALES METODOS VIGENTES.

JAQUES-DALCROZE:


. Utilizo el sistema EURRITMICO educacion musical a traves del ritmo, en el que se acopla el movimiento corporal a la musica.


Parte del principio Realizar antes de comprender, experimentar la musica con el movimiento del propio cuerpo, con la voz o tocando un instrumento.


OJETIVOS: Facilitar el desarrollo del sentido ritmico, la atencion, la memoria y por encima de todo, el control y el dominio de uno mismo.


Promover la coordinacion de los movimientos corporales mediante el desarrollo del sentido ritmico.




KODALY:


Propone el uso de la FONOMIMIA, practica del solfeo ritmico silabico y del solfeo relativo, el dictado musical y la lectura a primera vista, la practica instrumental, audicion musical y el coro y la agrupacion instrumental.




ORFF:


Dice que Despues de la practica se puede pasar a la reflexion teorica sobre lo realizado.


La union intima de lenguaje-musical-danza ensamblados por la comunidad del ritmo, esto favorece la motivacion y aumenta la capacidad de observacion y de expresion.




MARTENOT:


Creador del instrumento ONDAS MARTENOT


Sus principios se basa en:


* Amar profundamente la musica.
* Desarrollar la sensibilidad artistica
* Limitar los elementos teoricos.
* Practicas por separado
* Importancia de la improvisacion
* Analisis de la educacion musical.




WILLEMS:


DESARROLLO PSIQUICO Y SOCIAL DEL INDIVIDUO.


Se puede comenzar antes de los cuatro años.


La enseñanza teorica solo se emprendera despues de la practica.


Pretende que los alumnos amen a la musica, los prepara para que realicen con interes y alegria, la practica musical, tanto vocal como instrumental.  

DESARROLLO Y CONTENIDO DE ASPECTOS LOGICOS

EL VOLUMEN

El volumen es una magnitud definida como el espacio ocupado por un cuerpo. Es una función derivada ya que se halla multiplicando las tres dimensiones. La pintura es bidimensional y actúa en las dimensiones de alto y ancho, extendiéndose en superficie; pero este carácter esencial del lenguaje pictórico no le ha privado a lo largo de la historia de poder sugerir o representar, mediante ilusiones ópticas, la tercera dimensión, lo profundo, creando así apariencia volumétrica.

 Esta posibilidad expresiva de la pintura por la que rompe el plano y penetra la superficie del cuadro, representando valores volumétricos que son propios de la escultura (del bulto redondo y del relieve), ha sido denominada con términos diferentes que pueden ocasionar confusiones, ya que se alude con distinta terminología a una misma cualidad pictórica. Se trata de que la pintura se anexiona mediante engaño óptico el poder expresivo de la escultura y subraya el volumen de los objetos, acentúa la solidez y el peso, destaca la corporeidad, potencia la dureza y resistencia de las formas; incluso las simplifica estructurándolas.

 Estos caracteres escultóricos de la imagen representada en pintura van dirigidos de un modo más directo a solicitar la participación del tacto en la experiencia estética, incitan a palpar los objetos representados, a seguirlos con los dedos, y al mismo tiempo ubican la imagen puntualizando las distancias entre ella y el espectador.

 Berenson ha llamado "valores táctiles" a estos valores escultóricos, en atención al sentido que más directamente implican; otros se han referido a "valores plásticos", "efectos plásticos" o "formas plásticas", sin duda bajo la acepción del término plástica como equivalente a escultura. En la crítica de Arte se han contrapuesto los valores escultóricos o volumétricos a los valores propios de la pintura, en los que ésta utiliza sus formas expresivas como tales, y que son denominados "valores pictóricos" y también "valores visuales", porque en tal caso el sentido implicado y solicitado más directamente es el de la vista. Lo cierto es que se trata de una terminología muy socorrida ya que tanto los valores escultóricos como los pictóricos pueden obtenerse indistintamente en escultura y en pintura; así, hay escultura barroca en la que los valores pictóricos o visuales pueden dominar estéticamente y también hay pintura con fuerte predominio de los valores táctiles (como algunas obras de Andrea Mantegna). Al logro de la representación del volumen en pintura contribuyen, entre otros medios, el modelado y el escorzo. Se ha comprobado que al dibujar utilizando la escala del gris, las partes más salientes de la figura representada, aquellas más próximas al ojo, se aclaran, se hacen más evidentes quedando en zona de luz, mientras que allí donde gradualmente se acentúan las sombras y la vista se adentra en la penumbra, las masas dan sensación de alejarse.

 De este modo, mediante la gradación de luz y de sombra se consigue que los cuerpos destaquen en relieve sobre la superficie plana del cuadro, que las masas se vayan torneando gracias a este continuo paso de la luz a la sombra, pareciéndonos estatuas en el espacio, cobrando bulto y corporeidad.

Es el recurso técnico del modelado pictórico, en el que los contrastes o gradaciones de luz pueden oscilar desde el claroscuro más intenso, ..., hasta la suavidad y dulzura del "sfumato" o difuminado, ... Esta acepción del modelado en pintura no debe confundirse con la ya analizada del modelado en escultura, como acepción contrapuesta a la de talla. Cuando el modelado pictórico recurre al color, en lugar de al dibujo, los colores actúan y se comportan de acuerdo con los mismos principios para sugerir el volumen, aclarándose y trasparentándose en las zonas salientes y oscureciéndose en las más alejadas y entrantes, es decir, recurriendo a los distintos valores de cada color en relación con la luz.

 En efecto, se puede constatar que los colores cambian o se modifican a merced de las variaciones en la intensidad luminosa; cada color (rojo, verde, etc.) ofrece diferentes grados de luminosidad desde el blanco al negro (que no se consideran colores, sino límites extremos del claroscuro en la escala del gris) y aunque en tales cambios el rojo o el verde subsistan, cambia su intensidad luminosa, es decir, su relación con la escala de lo claro a lo oscuro; cada color tiene, pues, distintos valores en relación con la luz y puede presentar distintos grados de saturación o intensidad.

Mediante los valores se logra, pues, la representación del relieve o de la intensidad. Este recurso del modelado en color fue muy utilizado por los pintores impresionistas, y singularmente por los neo impresionistas, a los que corresponde mejor la denominación de "cromo luministas", es decir, que representaban los contrastes de luz y de sombra mediante el color, sustituyendo en este caso la función del sombreado por el contraste que proporcionan en el mismo sentido los colores complementarios, ...


En el arte de la pintura, el diseño gráfico, la fotografía, la imprenta y en la televisión.

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TEORIA DEL COLOR

En el arte de la pintura, el diseño gráfico, la fotografía, la imprenta y en la televisión, la teoría del color es un grupo de reglas básicas en la mezcla de colores para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz o pigmento. La luz blanca se puede producir combinando el rojo, el verde y el azul, mientras que combinando pigmentos cian, magenta y amarillo se produce el color neutro.

 

CONTRASTE

El contraste se define como la diferencia relativa en intensidad entre un punto de una imagen y sus alrededores.

Un ejemplo simple es el contraste entre un objeto de brillo constante sobre un fondo de un brillo constante. Si ambas superficies tienen el mismo brillo, el contraste será nulo, y el objeto tanto física como perceptiblemente será indistinguible del fondo. Según se incrementa la diferencia en brillo el objeto será perceptiblemente distinguible del fondo una vez alcanzado el umbral de contraste, que se sitúa alrededor del 0,3% de diferencia en brillo.

TERCERA DIMENCION (3 D)

En computación, las tres dimensiones son el largo, el ancho y la profundidad de una imagen. Técnicamente hablando el único mundo en 3D es el real, la computadora sólo simula gráficos en 3D, pues, en definitiva toda imagen de computadora sólo tiene dos dimensiones, alto y ancho.

PERSPECTIVA

La perspectiva es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. En un dibujo, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción.

Perspectiva del Campidoglio, en Roma. Miguel Ángel diseñó la composición de esta pequeña plaza: dispuso los edificios laterales confluyendo hacia el fondo para reforzar la sensación de profundidad.

Es también la ilusión visual que, percibida por el observador, ayuda a determinar la profundidad y situación de objetos a distintas distancias.

Por analogía, también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador, y que influyen en su percepción o en su juicio.